El filo que se dobla a sí mismo
A Blade Because a Blade Is Whole es un álbum que se resquebraja sobre su propia esencia, como si una fuerza antigua tratara de tomar forma desde lo informe. Dispersión, pulsos contracturados y un desorden que emerge desde la Nada. Ese caos originario, se deshace rehaciendo su propio exosqueleto dentro un espacio-tiempo desfigurados.
Recordemos las escuelas vanguardistas del siglo XX: Ligeti, Stockhausen, Les Percussions de Strasbourg, la musique concrète de Schaeffer o el free jazz de Pharoah Sanders, Ornette Coleman o Art Ensemble of Chicago. Ese sonido libre e improvisado escalaba atonaludades a fin de cohesionar una estructura con la sensación de abrazar los no límites.
Hoy en dia, saturados ya por la impureza del mainstream, cuesta sorprenderse de esto. Hemos perdido la capacidad de abstraernos tratando de encontrar ecuaciones diferenciales que definan un nuevo universo de musica. Por eso reconforta escuchar a esos artistas que atraviesan la superficie básica y trabajan desde el riesgo, artistas o bandas que buscan empujar el arte hacia zonas nuevas.
«La improvisación en la música puede HABITAR en cualquier género» –Alabaster Deplume
Un creador atípico con múltiples raíces
Alabaster de Plume es un escritor y saxofonista definido como un espíritu inclasificable. Su verdadero nombre es Angus Fairbairn y pertenece a ese linaje de mentes extrañas que se alejan de la normalidad. Su pasión es indagar en las raíces que liberen la música de su encasillamiento constrictivo.
Entre Londres y Manchester, DePlume ha ido moldeando su obra de manera muy discreta pero muy feroz en cuanto a resultados, especialmente desde que apareció su álbum debut en 2017. Su discografía requiere una apertura de amplio recorrido mental a fin de estar dispuesto a dejarse engullir por la dispersión sonica.
A Blade Because a Blade Is Whole no es una excepción. El disco fue publicado el 25 de marzo de 2025 a través de International Anthem. Este nuevo trabajo vuelve a sumergirnos, una vez más, en una mezcla enigmática de jazz noir, improvisación, ecos gitanos balcánicos y desvíos experimentales. Existen ciertos destellos en algunos fragmentos que recuerdan al King Crimson inicial o a las grietas narrativas de Edward Ka-Spel o Vander Graf Generator.
El saxofón es su brújula que conduce la nave por territorios muy abrasivos pero DePlume es también capaz de hacernos recordar la bruma emocional de Nick Drake, el riesgo formal de Tom Waits y los desvaríos imprevisibles de Mica Levi. La construcción global teje una atmosfera escasamente asumible para mentes pocos experimentadas en esa sonoridad.
«Necesitamos música que nos permita estar presentes en nuestra fragilidad» –Alabaster Deplume,
El lenguaje detrás del «jazz noire»
La obra afirma su singularidad desde los créditos. Todas las piezas están compuestas, producidas y arregladas por el propio DePlume. Pero el disco reúne un elenco muy amplio de músicos que amplían la atmósfera introspectiva de su creador: Rozi Plain al bajo. Ruth Goller en bajo y voz. Hannah Miller al violonchelo. John Ellis en piano. Conrad Singh a la guitarra eléctrica. Donna Thompson a la batería y voces, además de encargarse de los arreglos vocales en Invincibility. Macie Stewart al violín y responsable de los arreglos de cuerda. Mikey Kenney al violín y voz. Y Momoko Gill, que aporta batería, voz y un arreglo de cuerdas para Form A V.
Toda esta instrumentación —saxos tenor y barítono, guitarras acústicas y eléctricas, synths, batería, cuerdas, piano y voces cruzadas— configura un paisaje libre donde el folk primitivo y el free jazz conviven con una energía ritual cercana al trance.
Los ingenieros de sonido Kristian Craig Robinson, Alabaster DePlume y Dave Vettraino acompañan el proceso técnico que sostiene la desnudez emocional del álbum. La mezcla corre a cargo de Dilip Harris y la masterización de David Allen.
La simbología de las manos entrelazadas
La imagen representa un gesto de manos que simboliza la integridad, la concentración, la reflexión y la introspección. En el contexto del álbum, representan el trabajo interior y la necesidad de buscar la propia sanación antes de poder ayudar a lod demás. La pose triangular y unida de las manos evoca la integración de las experiencias, incluso las dolorosas, es lo que nos hace completos.
Otro elemento revelador es el tatuaje de la seis barras verticales. Esta simbología está directamente relacionada con las marcas dejadas por las antiguas versiones de uno mismo, esos viejos patrones como el dolor o las partes del ‘yo’ que ya no sirven para el crecimiento personal. El tatuaje es la prueba visual de este proceso de separación y autodefinición.
La fotografía de la portada fue tomada por Chris Almeida, el diseño y maquetación corrió a cargo de Aaron Lowell Denton y las ilustraciones (artwork) son de Rebecca Salvadori.
Cortar para volver a ser: La «hoja» que revela quién somos
El título del disco gira en torno a una paradoja luminosa. La «hoja» (blade) corta, separa, delimita. Sin embargo, su acto de dividir está ligado a la idea de integridad (whole). Para Alabaster DePlume, la «hoja» no representa violencia sino un gesto de claridad. Es la herramienta que permite diferenciar, dejar atrás, desprenderse de lo que estorba al crecimiento.
La «blade» se convierte así en una metáfora del cambio. El filo como decisión, como valentía, como el momento en que uno se arranca de las viejas versiones de sí mismo. Cada corte —una verdad enfrentada, un duelo asumido, un vínculo roto— abre espacio para que algo nuevo respire. Y en esa operación a veces dolorosa se encuentra una forma de coherencia interna.
Decir «A Blade Is Whole» implica que este instrumento no es malo ni erróneo. Es completo en su función, perfecto para lo que está destinado a hacer. Del mismo modo, las separaciones necesarias en la vida no son fallos, sino mecanismos para restaurar la totalidad personal.
El título completo funciona como una justificación ética y poética. Una «hoja» cumple su propósito porque ya es íntegra. Y nosotros alcanzamos la integridad cuando aceptamos los cortes que la verdad exige. Es, en esencia, una metáfora de la autoaceptación y de la sanación a través de la lucidez. Como el mismo afirma: «La suavidad no es debilidad. Es otra forma de valentía».
Análisis de la «playlist» completa
DePlume defiende la vulnerabilidad como un acto político. De ahi que reivindique la lentitud, la contemplación y la amabilidad. Su obra lucha contra la rigidez del mercado musical y apuesta por espacios colaborativos, procesos abiertos y una ética de cuidado.
El viaje comienza con Oh My Actual Days, grabado por Kristian Craig Robinson. Una pieza que abre el disco como si se desplegara un telón invisible. La melodía avanza con una calma que esconde una tensión mínima. Sobreviene Thank You My Pain una pista que se abre como una herida. Su título condensa una dura reflexión emocional en apenas tres minutos. Le sigue Invincibility con arreglo vocal de Donna Thompson. Aquí el disco adquiere un nuevo color, más etéreo, más cercano al folk ceremonial. El mismo define la pieza como una reflexión elevada:
«Invincibility es una oda al amor propio que se siente como un coro de ángeles liderado por un embaucador que reflexiona: ¿cómo vivimos con las fuerzas que buscan destruirnos? Toda la canción se siente como una exhalación profunda, o como la sensación de alcanzar la superficie después de un largo rato bajo el agua»
En Form A V, con arreglos de cuerda de Momoko Gill, la música avanza hacia un espacio meditativo donde la armonía parece plegarse sobre sí misma. Acto seguido, A Paper Man desarrolla un ambiente melancólico sostenido por líneas de saxofón que rozan lo espectral.
Tras ese eco del hombre de papel, aparece Who Are You Telling, Gus donde se retoma un pulso más terrenal, casi juguetón, aunque el trasfondo sigue siendo introspectivo. Posteriormente Prayer For My Sovereign Dignity eleva la temperatura emocional del conjunto. El título mismo funciona como plegaria personal. En cambio, Kuzushi, grabada por el propio artista, introduce un concepto tomado del judo: el desequilibrio previo al lanzamiento y la música responde a esa idea.
Llegamos a las tres últimas piezas del caos. La primera, Salty Road Dogs Victory Anthem, se acerca a un himno torcido, marcado por repeticiones que funcionan como invocaciones. La segunda, Too True vuelve a la contención, con una estructura breve y delicada. Y la tercera, That Was My Garden, cierra el álbum como una despedida luminosa que no busca resolver, sino asentarse en la memoria.
La herida como forma de integridad renacida
Para terminar, podemos decir que estamos ante un disco muy denso y complejo. Su propuesta queda lejos para un consumo rápido. Sobre todo, para esos oyentes no habituados a incursiones improvisadas, a sonidos atonales de free jazz.
Sin embargo, al margen de ese hándicap, el disco mantiene su coherencia emocional. Su valentía estética y su capacidad para desafiar y unir géneros ses más que reconocida. Todo fluye dentro del propio caos. En consecuencia, DePlume es definido como una de compositores más desiguales dentro del jazz noire contemporáneo.
El disco, sin duda, es una invitación a observar la herida como una forma de conocimiento. A entender que el filo, como el alma, se completa en su propia forma y supera el caos. A Blade Because a Blade Is Whole medita sobre la dignidad del instante y busca belleza en lugares donde solo queda el silencio.
Temas predilectos: Thank You My Pain, Invincibility, Form A V, A Paper Man y Too True.
