El álbum debut homónimo de Anabel Lee —banda oriunda de Terrassa formada por Borja, Victor, Perdi y Jordi— apareció a principios de este 2021. Para situarnos, es un proyecto a medio camino entre el post-punk, el punk pop y el indie rock e incluso ciertos elementos de new wave y punk rock que hacen que sea uno de los proyectos más únicos que han aparecido en lo que va del año.
Anabel Lee comienza con el tema Deberías estar conmigo, muy pegadizo gracias ese sonido post-punk en el que destacan las líneas de bajo, muy presentes durante todo el track. La furia joven del punk pop y la energía del mejor rock indie es algo que también notamos mucho en el tipo de voces que se utilizan tanto en esta canción como en muchas otras. Como bien he indicado, si bien en cierto modo recuerdan a bandas de los estilos anteriormente citados, como podrían ser los noruegos Sløtface, esos elementos en la composición más propios del post-punk le dan un cariz especial tanto a este primer tema como a gran parte del álbum. Y además de todo lo anteriormente mencionado se compagina a la perfección con un estribillo muy pegadizo y un buen puente instrumental. Ya desde el principio podemos notar la carga emocional del álbum, en este caso las líricas recuerdan mucho al emo, algo que se nota sobretodo en el sentido más poético por el que se rige la canción. Si bien la temática es sencilla, ya que trata de una relación fallida y cómo el protagonista de la misma no consigue superarla, algo que no es que sea especialmente original a estas alturas, pero que funciona perfectamente por lo sinceras y directas que son.
El disco sigue con Qué quieres de mí, el cual tiene un sonido bastante parecido al ya mencionado, aunque es algo más directo. Se trata de un tema super pegadizo, acompañado de unos coros fantásticos con un estribillo muy potente y unas lineas de guitarra realmente enérgicas. Una melodía algo más animada que tiene un sonido más propio del punk pop, de bandas como Green Day o The Queers, pero que ofrece ciertos toques de post punk, sobretodo en la línea omnipresente del bajo. Si miramos las letras, seguimos con ese carácter emocional y, siguiendo la temática del primer tema, en esta ocasión nuestro narrador se sincera con él mismo y cómo está preparado para pasar página, manteniendo todos los aspectos destacables del anterior tema. En Cabezas de Cartel, que es el primer single extraído del álbum, tenemos un tema a medio camino del post-punk ochentero de bandas como Echo and the Bunnymen y el post-punk revival propio de Franz Ferdinand, ya que se mezcla nuevamente la gran presencia del bajo con una melodía más etérea, pero al mismo tiempo se nota ese carácter más enérgico y popero del indie rock. En este tema hacemos un cambio de temática: se trata de una crítica feroz a las discográficas y a las promotoras, las cuales prometen mucho pero al final ofrecen poco, y una reflexión sobre cómo la banda por su propia cuenta y con sus medios pueden llegar mucho más lejos, siendo un track bastante motivador en este sentido. Si bien es un buen tema considero que no destaca tanto como otros en este larga duración, quizás porque se pierden un poco esos elementos que les hacen tan únicos que hace que se vea tan potente a nivel vocal e instrumental.
En cambio, en Plaza Mayor la banda vuelve con fuerza a todos aquellos elementos que hacen que sea tan destacable este proyecto. Tema con una gran inspiración en varios de los géneros a los que ya nos tienen acostumbrados esta banda terrasense: un bajo marcado propio del post punk que suena fabuloso, una guitarra distorsionada y agresiva propia del Punk, una melodía acaramelada más propia del pop y la energía del indie rock.
La letra recuerda mucho más a las bandas actuales de punk pop y otros géneros similares de artistas como Jeff Rosenstock o bandas como PUP, que a diferencia de las bandas de anteriores épocas nos traen un contexto más adulto, en este caso narrando una realidad que muchas personas jóvenes en este país vivimos, que es la falta de recursos económicos para disfrutar de nuestra juventud. Sin duda, uno de los temas que a nivel lírico considero más interesantes de todo el álbum. Seguimos con otro de los singles con el nombre de Sobran defectos, en el que nos encontramos com una mezcla de punk pop en la melodía junto a elementos de post-punk revival, aunque también acompañan guitarras más atmosféricas y coros, los cuales aportó Sandra García, cantante de Juniper Moon, que le aporta un toque más cálido a la melodía. Si tenemos en cuenta el estribillo, recuerda más a bandas del post- punk de los ochenta que tenían ciertos elementos de New Wave como The Sound o The Chameleons. Es un track que consigue traer un revival excelente de esa época tan icónica.
A nivel lírico, es una canción con un mensaje muy personal e íntimo y es difícil darle un sentido claro, siendo uno de esos temas que deja una lectura abierta que invita a la reflexión.
En La mejor canción del año, otro de los singles del disco, se nota una clara inspiración en el post-punk setentero, donde podemos apreciar un estilo más sucio y precario, junto a esa gran presencia del bajo y melodías atmosféricas. Aunque al mismo tiempo, las voces son mucho más agresivas, propias de algunos grupos del Punk Rock de finales de los setenta, como la primera época de los Buzzcocks o los inolvidables Ramones. La mezcla final de estos dos estilos recuerda en cierto modo a la banda Wipers.
Es uno de esos temas con una gran personalidad y muy enérgico que determina que Anabel Lee han querido traer una propuesta única mezclando varias de sus influencias de forma precisa y que también tiene una lírica potente y motivadora dónde el grupo pretende superarse en cada momento. En Tardes muertas, volvemos de nuevo a ese estilo a medio camino entre el punk pop más pegadizo y el indie rock más dinámico, además de mantener una vez más, la gran presencia del bajo (creo que a estas alturas no hace falta alabar mucho más lo bien que suena) .La letra aporta un carácter propio de la música emo, ya que nos habla en primera persona de alguien que no ha conseguido encauzar su vida y superar su pasado, siguiendo la estela de los dos primeros temas del disco.
Un monstruo viene a verme es posiblemente el tema con un sonido más marcado emo pop, muy parecido al sonido de grupos como Taking Back Sunday, aunque en este caso con un carácter más agresivo, muy propio de las bandas de punk rock de los setenta, sin perder por ello el sonido indie rock del proyecto, y manteniendo ligeros toques de post-punk con el bajo una vez más. En cierto modo, recuerda al Honeymoon de Beach Bunny aunque con algo másd e fuerza, ya que en este caso suena más inspirado en bandas de esa segunda ola más emocional del punk pop. Esta es una de las canciones más profundas del disco, de donde podemos extraer varias lecturas acerca de la historia de nuestro atormentado protagonista.
Ahora llegamos a Quizás te esperé, un tema a medio camino entre algunos de los estilos anteriormente mencionados. Un tema con un ritmo algo más pausado y algo más plano, aunque con un estribillo muy potente. Parece más una transición dentro del proyecto y se queda en un track de perfil más bajo, a pesar de no estar nada mal. Respecto a la letra, regresa de nuevo a una temática amorosa y básicamente al mismo concepto de la primera pista, aunque en esta ocasión con un tono quizás excesivamente melancólico y no tan natural. De nuevo en Terrores Nocturnos, aparecen las influencias marcadas del punk rock, que podemos notar en las voces potentes y los riffs de guitarra distorsionados y agresivos aunque mantiene ciertos elementos del post-punk setentero, más propio de bandas como Public Image Ltd o la primera época de Siouxsie and the Banshees.
La temática vuelve a conectar con un segmento del álbum, en este caso con los temas Tardes Muertas y Un monstruo viene a verme, en la que se vuelve a hacer alusión a todos esos demonios internos con los que algunos por desgracia han de convivir, con un contexto haciendo alusión al propio título de la canción. Como cierre de este LP tenemos otro single titulado Cuando despiertas en el que se aprecia un cambio en el paradigma sonoro del conjunto de la obra, ya que aquí nos encontramos una mezcla de melodías ensoñadoras propias del dream pop utilizadas por bandas como Slowdive junto a una sección de guitarras con un sonido más sucio y distorsionado propio del twee pop de bandas como The Pains of Being Pure at Heart. A nivel lírico en esta canción se nota que le han hecho un guiño al conocido Allí dónde solíamos gritar de la banda Love of Lesbian, aunque con un contexto distinto y manteniendo su propia esencia: son Anabel Lee y eso lo dejan claro. A pesar del cambio de estilo, es un cierre excelente que nos indica el sonido ecléctico de la banda al abrirse a otros paradigmas sonoros.
Sin duda, el grupo de Terrasa nos trae uno de los mejores proyectos que han aparecido en nuestro país en lo que va de año. Los bajos pronunciados y los sonido etéreos propios del mejor post-punk, junto a la furia joven y emocional digna de las grandes bandas del punk pop, el carácter enérgico del indie rock y el carácter propio del punk rock más salvaje hacen que sea una mezcla ganadora y que se consagren como una de las nuevas bandas más fascinantes de nuestra escena.
