A Firmer Hand es el tercer álbum de estudio del músico escocés Hamish Hawk. Se lanzó a finales del 2024 a través de So Recordings & Silva Screen Records Ltd y no podia pasar desapercibido en nuestra revista. Se trata de una propuesta audaz que refleja una evolución significativa en la carrera de este peculiar artista. El disco fue grabado en el Post Electric Studio de Edimburgo, y como tal marca un punto de inflexión tanto en la estética musical como en la profundidad de sus letras, mostrando una madurez, introspectiva y experimental.
Tras el éxito de sus dos anteriores álbumes, Angel Numbers (2023) y Heavy Elevator (2021), Hawk se sumergió dentro de un proceso creativo a raíz de los cambios sociales y personales que vivió durante los últimos años. La incertidumbre global, la introspección propia y la búsqueda de un equilibrio interno, se convirtieron en los temas recurrentes de A Firmer Hand. El mismo nombre sugiere un esfuerzo consciente por mantener el control en medio del caos. Se trata, sin duda, de una metáfora sobre la necesidad de firmeza ante las adversidades.
Como música, el álbum presenta una amplia gama de géneros que incluyen sophisti-pop, post-punk y art rock, con influencias de rock gótico, indie rock, new wave, synthwave y elementos de funk. Para dar forma a esta fusión se incorporan sintetizadores, piano, bajo, guitarra y batería, etc., evitando el barroquismo sonoro de sus discos anteriores. En la banda intervienen Alex Duthie (bajo), Stefan Maurice (batería y caja de ritmos), Andrew Pearson (guitarra) y John Cashman (teclados).
«Al escribir este álbum, abrí mi armario y descubrí un esqueleto. Lo que une a todas las canciones es la sensación de lo no dicho, ya sea por culpa, vergüenza, represión, pudor, timidez, lo que sea. De ahí que el disco esté impregnado de una autenticidad y una franqueza de lo más desgarradoras. Es un trabajo que lleva a la madurez» (HAMISH HAWK)
El disco está compuesto por Hawk en colaboración con el guitarrista Andrew Pearson y el baterista Stefan Maurice. La producción se hizo en la localidad de Edimburgo a través de su colaborador habitual y representante Rod Jones. Hawk diseñó la portada con Stuart Ford. Presenta un retrato en blanco y negro del cantante con el rostro medio oculto por una sombra negra. Esta imagen misteriosa simboliza la idea de control, resistencia y tensión entre la firmeza y la fragilidad. Las fotos son obra de Michaela & Richard Simpson.
Comparado con trabajos anteriores, A Firmer Hand muestra una mayor madurez en la composición y en la exploración sonora. Mientras que los álbumes previos tenían un carácter más directo y energizante, este nuevo disco apuesta por la sutileza y la atmósfera, reflejando una transición hacia un sonido más introspectivo y experimental. La producción está más elaborada y los arreglos son más complejos. El global evidencia un artista que se atreve a explorar nuevas texturas y a profundizar en su narrativa personal. Hawk apuesta por una estética atmosférica y gracias a ella genera un espacio sónico envolvente y meditativo.
El disco también destaca por usar una instrumentación cuidadosa y variada. Se pueden escuchar guitarras acústicas y eléctricas, acompañadas de sintetizadores analógicos, cajas de ritmo programadas y algunos instrumentos tradicionales como el piano y la flauta. La utilización de efectos de reverb y delays genera espacios sonoros que refuerzan la sensación de concavidad y contemplación. La base rítmica es minimalista, permitiendo que las melodías y las letras tengan un mayor protagonismo.
El álbum ha ido recibiendo críticas muy positivas, sobre todo haciendo hincapié en la evolución del músico y por desatar una lírica más directa y autobiográfica. Se centra en las relaciones de Hawk con los hombres y explora temas de sexo, lujuria, rechazo, masculinidad, vergüenza y represión sexual. Las letras exploran temas como la resiliencia, la vulnerabilidad, la búsqueda de autenticidad y el enfrentamiento con las propias inseguridades frente a los conceptos mencionados. Para ello, Hawk emplea un lenguaje poético y simbólico, con metáforas que aluden a la naturaleza, el control y la liberación.
Es por ello que el disco también reflexiona sobre la necesidad de responsabilidad personal y la voluntad de mantener una mano firme frente a un mundo cambiante, pero sin perder el sentido de la compasión y las empatía. En consecuencia, la narrativa se construye como un viaje íntimo y reflexivo que invita al oyente a encontrar su propia fortaleza en la fragilidad.
«Para mí, mi música lo es todo. Por mucho que me sienta aprensivo, ansioso o incluso asustado por lanzar esta o aquella música, el lanzamiento en sí no me preocupa. Lanzar, interpretar y presentar mi música es parte esencial de la música misma. La música es un lenguaje, una forma de conectar y conectar. No hay esperanza de conectar si me guardo las cosas para mí» (HAMISH HAWK)
La audición del surco se destapa con la pista número uno, Juliet as Epithet, una canción sobre las expectativas en las relaciones hiumanas y cómo las personas proyectan sus propios deseos hacia otros, convirtiéndolos en epítetos o símbolos. Estas idealizaciones nos distancian de la realidad original afectando a nuestra comprensión y experiencia emocional. Los siguientes temas del álbum siguen esa tonica existencial destacando, de manera cohesiva y coherente, los diversos aspectos de nuestra sensiblidad y existencia.
Machiavelli’s Room nos conduce a pensar en qué espacio mental o emocional ocupamos cuando nos confrontamos ante las propias motivaciones y las de los demás. Esa tensión y lucha entre apariencia y realidad, percepción pública versus intereses privados, puede interpretarse como una reflexión sobre la naturaleza del poder y la estrategia personal. No cabe duda de que estas dinámicas influyen en nuestra percepción de la realidad y en nuestras acciones.
Big Cat Tattoos es una reflexión poética sobre las marcas permanentes e invisibles que llevamos dentro y que representan partes de nuestra identidad e historia, ese cúmulo de experiencias que queremos recordar o dejar atrás. La canción invita a pensar cómo esas marcas, ya sean tatuajes o experiencias, forman y transforman nuestra identidad.
Nancy Dearest es una pista marcada por la ausencia. Por un lado, es una canción amargamente desafiante, un viaje del ego, un derroche de fantasía narcisista. Por otro, es una balada sobre la soledad absoluta, el aislamiento y la pérdida definitiva. Sea como sea, es un grito de auxilio de un héroe bajo una espiral descendente
Autobiography of Spy, con mayor carga erótica, usa la metáfora de un espía para ilustrar la introspección y las tensiones internas a que nos enfrentamos al tratar de comprender qué secretos guardamos frente la estrategia del flirteo, los encuentros casuales, la atracción fatal, el amor no correspondido… Sin duda, una reflexión poética sobre la identidad, memoria y percepción sobre nuestra oscura intimidad.
«A medida que avanzas en la música sientes la necesidad de ofrecer al oyente algo con lo que pueda conectar y sumergirse plenamente, sin sentir que una vez hecho se disuelve en nada. Quiero que el oyente mantenga su esencia y resista el paso del tiempo» (HAMISH HAWK)
You Can Film Me es una reflexión sobre la vigilancia, la exposición y la autenticidad en la era moderna. Hamish Hawk utiliza esta temática para explorar cómo la percepción pública puede influir en la identidad personal, y quizás, para afirmar la importancia de mantenerse fiel a uno mismo en medio de la observación constante.
Christopher St., explora la búsqueda de uno mismo, la aceptación personal y la lucha interna con la identidad. La referencia a una calle emblemática de Nueva York simboliza un lugar de revelación o confrontación personal. La letra invita a una deliberación sobre el autodescubrimiento y la importancia de los espacios que ayudan a encontrar nuestra verdad, todo ello plasmado como una balada corta a piano que abraza la vida y la muerte de la activista de liberación gay y drag queen Marsha P. Johnson.
Men Like Wire examina la fragilidad, la resistencia y la percepción de fortaleza en las personas. El título y la referencia constante al alambre (wire) que puede soportar peso y tensión, pero también es vulnerable a romperse si se le somete a demasiada presión. Esto puede simbolizar a hombres que aparentan dureza o resiliencia, pero que en realidad son frágiles por dentro. La letra puede estar abordando cómo las personas, especialmente los hombres en ciertos contextos sociales, sienten la necesidad de mostrarse fuertes e invulnerables, incluso si internamente son rompibles. La metáfora del alambre refuerza esta idea: parecen duros y resistentes, pero en realidad, están al borde de romperse.
Questionable Hit puede ser vista como una meditación sobre cómo valoramos nuestros logros y decisiones, y cómo a menudo la percepción de éxito o fracaso puede estar teñida por la duda. La canción invita a la introspección sobre qué significa realmente un «éxito» y cómo las acciones, incluso las dudosas, pueden formar parte de nuestro camino. Por su parte, Disingenuous es una crítica o recordatorio a la importancia de la autenticidad en una sociedad que favorece las máscaras y las apariencias. Hamish Hawk invita a la meditación y a cuestionar qué tan sinceros somos realmente. Sin embargo, en Milk an Ending invita a considerar que, aunque los finales sean dolorosos o difíciles, también pueden considerarse una oportunidad para extraer lecciones, crecimiento o recursos emocionales que nos preparen para lo que venga después.
«No creo que sea necesario usar el lenguaje político para ser político. Mi música no es política, pero creo que el arte SÍ es político, cualquier arte decente lo es. La música, por su letra, puede generar MUCHAS expectativas políticas» (HAMISH HAWK)
Y llegamos al final. The Hard Won pondera que los logros personales y las victorias en la vida requieren sacrificio, resistencia y perseverancia. Esta narrativa instiga a valorar tan proceso difícil, reconociendo que lo que se obtiene con esfuerzo tiene un precio y un significado más profundo. Hamish Hawk reflexiona sobre la importancia de no rendirse ante las dificultades y a apreciar la fuerza que se gana en el camino. Ese es el mensaje que concluye este magnífico trabajo.
En definitiva, A Firmer Hand es un disco de doce pistas que irradia el discernimiento artístico de Hamish Hawk, su capacidad para reinventarse y su habilidad y compromiso para sondear nuevas dimensiones sonoras y líricas. Su voz es, sin duda, uno de sus mayores aciertos; su tono cálido, expresivo, profundo y lleno de matices aporta una sensibilidad única, logrando transmitir tanto vulnerabilidad como fuerza en cada interpretación. En conjunto, este disco demuestra la madurez artística de Hawk y su tonelaje para crear una conexión genuina con su audiencia gracias a su talento vocal y visión artística. Es un álbum que invita a la razonamiento, a la serenidad y a la fortaleza interior, consolidándose como una de las obras más significativas de su carrera hasta la fecha.
