«No hace falta buscar mucho para encontrar personajes míseros, ni en la vida ni en este disco. Cutthroat, está lleno de bandidos e hipócritas que ofrecen conmovedoras ilustraciones de los personajes más imperfectos de la sociedad» (CHARLIE STEEN)
Hay discos que son así, capaces de reactivar el hipotálamo más adormecido. Es lo que sucede cuando estallan los primeros compases de Cutthroat, el último plástico de la banda punkera Shame. El esférico fue lanzado el 5 de septiembre de 2025 a través de la discográfica Dead Oceans (Phoebe Bridgers, Cassandra Jenkins, Japanesse Breakfast). Su producción es el resultado de John Congleton (St. Vincent, Sharon Van Etten), quien ha impregnado su peculiar acidezen la banda.
CINCO TIPOS QUE ARRASAN
Shame, tal cual, significa literalmente vergüenza. En el contexto del quinteto refleja la culpa, la humillación o la pérdida de dignidad. A su vez, también se interpreta como una forma de desafío o resistencia a las expectativas sociales. Todo ello se manifiesta en la música y la actitud de la banda.
Todos los miembros de Shame son originarios de Londres. La formación emergió en 2014 y desde entonces ha lanzado varios álbumes y EP. Su sonido se basa en un despliegue de energía, ímpetu y letras relacionadas con la juventud, la alienación y la frustración social. Su sonido se describe como post-punk fundamentado en la agitación y la autenticidad.
La formación está conformada por el vocalista Charlie Steen, los guitarristas Eddie Green y Sean Coyle-Smith, el bajista Josh Finerty y el baterista Charlie Forbes. Son cinco tipos que logran hacerte saltar del sofá. Fijo.
LA DURA SACUDIDA CONTRA LA HIPOCRESÍA
Cutthroat es un álbum sin complejos. «Trata sobre los cobardes, los cabrones, los hipócritas. Hay muchos de ellos ahora mismo», dice el vocalista Charlie Steen. Algunos describen el disco como un ácido placer desatado para sacudir la sociedad. Justamente lo que pretende la banda. Distanciarse de las milongas introspectivas y optar por un sonido vertical y despiadado. No cabe duda de que el disco vapulea la falsedad y la impavidez que requiebra la sociedad. Conflictos, corrupción, hambre, deseo, lujuria, envidia y cobardía, se dan cita entras las sombras de Cutthroat. Ellos mismos son claros al respecto…
«Nuestros espectáculos en vivo no son performance; son directos, confrontativos y crudos. Esa siempre ha sido nuestra esencia. Vivimos tiempos locos. Pero no se trata de exclamar un ‘pobre de mí’. Se trata de gritar ‘que te jodan’» (CHARLIE STEEN)
DOCE SURCOS QUE ERIZAN LA PIEL
Arrancamos el thriller sónico con la contundencia de Cutthroat, pieza homónima del álbum. Se trata de un cuchillo que destripa las carnes de la ansiedad, de la presión social y de la lucha interna. Su letra desata la urgencia y el conflicto, dos proyectiles mensajeros de la vida moderna. Bajo un tono casi confesional, Charlie Steen, ofrece una perspectiva despiadada pero honesta sobre sus experiencias personales. La canción se inspira en la obra de Oscar Wilde, El Abanico de Lady Windermere y su aforismo nihilista: «La vida es demasiado importante para tomárnosla en serio». Sobre la producción sonora cabe decir que mantiene una intensidad constante. Las guitarras afiladas, los riffs abrasivos y la percusión implacable, generan un torbellino caótico y controlado.
El siguiente latigazo sobreviene con Cowards Around, pieza que se baraja la frustración y desilusión hacia las personas que evitan confrontaciones o las decisiones difíciles. Es decir, los cobardes. La letra es pura tensión y rechazo hacia la carencia de valentía y sinceridad sobre quienes prefieren esconderse y no afrontar la realidad.
Al poco tiempo, Quiet Life aparece con cierto aire western. Presenta un contraste entre la apariencia, la calma y la agitación interna. Irradia esa lucha interna que habla de alienación, vacío y autenticidad en medio de una tranquilidad superficial. Sin duda, es una exhortación sobre la complacencia de una vida pasiva, y una declaración de querer vivir de manera auténtica.
Con Nothing Better esa calma se fulmina y las pistolas sónicas vuelven a recargarse con un temazo de alto voltaje. Es un stoner punk con ciertos ecos a The Queen Stones Age. Nos advierte sobre la autocomplacencia o apatía que acepta una realidad insatisfactoria. Quizás como una forma de autoprotección o agotamiento. La sensación de «no hay nada mejor» puede ser una justificación o una resignación.
Este conformismo se rompe cuando aparece Plaster (yeso o vendaje). Se trata de esconder el sufrimiento y la fragilidad tras una apariencia dura. Se explora el dolor, la protección emocional y la desconexión. Es una letra reflexiva sobre aquellas personas que lidian sus heridas internas con la dificultad de ser genuino en un mundo descompuesto.
Gracias a ello resurge Spartak, voraz signo de resistencia espartana. Con ella se manifiestan valores como la lucha personal, la entereza y la tracción entre la individualidad y la presión social. La pista es un desafío a las normas y expectativas externas. Pone en duda, las convenciones sociales y promueve la autonomía personal.
Esas dudas conducen a un estado límbico. Así lo expresa To and Fro o la referencia a ir de un lado a otro. Simboliza un ciclo de comportamientos o pensamientos que se repiten. Tanto en las relaciones como en las decisiones o estados emocionales. Aunque hay una sensación de estancamiento, también hay un deseo de romper con ese ciclo. Podemos afirmar que To and Fro encaja los golpes y se aferra a las dificultades de navegar a través de un mundo lleno de decisiones ambiguas y conflictos internos.
Esta brava situación estremece aún más con la aparición de Lampião. Toma como ejemplo el famoso bandido brasileño símbolo de resistencia, rebeldía y vida marginal. La letra juega con estos elementos, creando una atmósfera de confrontación y desafío. Es una pista que celebra la figura del rebelde, del outsider que desafía las convenciones.
After Party estalla como una reflexión sobre la monotonía y la insatisfacción que acompaña las vidas sociales modernas. Es una llamada a indagar algo más legítimo y significativo en medio de la superficialidad.
Cerrando el círculo nos encontramos con Screwdriver (destornillador), una metáfora que alude al deseo de reparación o destrucción. La canción utiliza esta imagen para representar un intento de entender o cambiar algo en la vida del protagonista. Transmite una sensación de estar atrapado entre decisiones, emociones contradictorias y una percepción distorsionada de la realidad.
Vamos acercándonos al final. Packshot se levanta como una cadencia slow con cierto maridaje caustico. En la industria del cine y la publicidad el término hace referencia a la imagen final que se muestra para promocionar un producto o una película. Es decir, la importancia de la presentación visual y de la percepción. En el contexto del álbum se refiere a la idea de presentar algo de manera atractiva y destacada. Es decir, la canción explora la desconexión entre lo que se muestra y lo que realmente es, sugiriendo que muchas cosas son tan solo packshots (imágenes diseñadas para impresionar, pero vacías en su esencia).
Y llegamos al hachazo final, Axis of Evil (eje del mal). Se trata de una referencia histórica y política que originalmente fue utilizada por el gobierno norteamericano para describir a lo países considerados amenazantes. La canción es una metáfora sobre las fuerzas que alimentan la violencia y la injusticia en la sociedad. En ella se denuncia a las instituciones y líderes que manipulan y perpetúan los conflictos. Existe una sensación de estar atrapado dentro de un sistema que fomenta el caos. En definitiva, es un llamado al despertar, a cuestionar el statu quo y a no aceptar ciegamente las estructuras de poder.
REMATANDO LA VERGÜENZA
Cutthroath es una ferviente crítica a la hipocresía, al conflicto y a la corrupción que azota nuestra sociedad. Al mismo tiempo representa una lucha por la individualidad y la autenticidad. Estos hechos y valores quedan reflejados esencialmente en la oda al bandido brasileño Virgulino Ferreira da Silva, más conocido como Lampião. El álbum, por tanto, tiene un sonido crudo y visceral. Experimenta con nuevos sonidos y estructuras, creando un disco dinámico y enérgico. Junto a ello, la voz de Charlie Steen se manifiesta intensa y emotiva, lo que ransmite pasión y rabia, buque insignia del quinteto.
En conseucuencia, el álbum ha sido bien recibido por la crítica. Destaca la energía, el mensaje y la autenticidad de Shame. Los fans también han respondido positivamente, elogiando la crudeza y la honestidad del disco.
En definitiva, estamos ante un esférico de 37 minutos cuya contundencia y lectura fustiga al sistema, ofreceiendo al unísono las señales precisas para darle un giro y evitar siendo procesados y engullidos.
