«La música no miente. Si hay algo que cambiar en este mundo, se hará mediante la música»
«Quiero hacer una música tan perfecta que se filtre a través del cuerpo y sea capaz de curar cualquier enfermedad»
«Estaré muerto dentro de cinco años, pero mientras esté aquí, viajaré por muchas carreteras y necesariamente moriré en un momento en que mi mensaje de amor, paz y libertad pueda compartirse con las personas por todo el mundo»
JIMI HENDRIX, 1942 – 1970
PERPETUANDO AL PRODIGIO QUE REVOLUCIONÓ LA ESCENA DEL ROCK
Tenía tan solo 15 años cuando personalmente escuché por primera vez a Jimi Hendrix. Por aquel entonces deambulaba como hippie mientras leía las obras de la Beat Generation y escuchaba marcas legendarias como The Beatles, The Rolling Stones, Pink Floyd, Cream, The Doors, Led Zeppelin y Frank Zappa entre otros ¡Qué tiempos!
El primer disco de Jimi Hendrix que cayó en mis manos fue su álbum debut, Are You Experienced (1967), que, sin duda y por unanimidad (críticos y fans), es su disco más diamantino, opinión que comparto ciegamente.
Jimi fue la reencarnación viva del sonido eléctrico, el guitarrista que devoró el mundo desafiando todas las reglas y convencionalismos. Hasta entonces ningún otro guitarrista había llegado a ese nivel; incluso fue capaz de dejar boquiabiertos a los grandes amos de las cuerdas de aquel entonces como Eric Clapton, Jimi Page y Frank Zappa…
Jimi tenía tan solo 17 años cuando su padre le compró su primera guitarra eléctrica, sin que por ello llegara a intuir que años más tarde sería considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos. Lamentablemente, ese chico afroamericano de dedos largos y cabellera voluminosa, vivió una vida corta pero muy provechosa. El 18 de septiembre de 1970 Jimi falleció ahogado en sus propios vómitos uniéndose a otras figuras icónicas como Robert Johnson (1938), Brian Jones (1969), Janis Joplin (1970), Alan Wilson (1970), Jim Morrisson (1971), Ron ‘Pigpen’ McKernan (1973), Dave Alexander (1975), Pete Ham (1975), Gary Thain (1975), Kurt Cobain (1994), Amy Winhouse (2011), entre muchos más. Todos murieron a la misma edad, 27 años, hecho insólito que dio lugar a la mítica maldición del Club de los 27.
Como suele pasa, la muerte de genios y celebridades está riada de desconciertos y fascinantes debates. Según se sabe, las últimas horas de Hendrix transcurrieron al lado de su novia Monika Dannemann. Las circunstancias exactas de su fallecimiento siguen siendo un enigma, repleto de contradicciones, leyendas urbanas y conspiranoias.
Fuera como fuera, el legado discográfico de Jimi fue breve pero su herencia musical pura enciclopedia. En vida publicó tan solo tres discos en estudio, Are You Experienced (1967), Axis: Bold as Love (1967) y Electric Ladyland (1968), los tres considerados obras maestras. También se grabaron álbumes de sus legendarios conciertos (Fillmore East, Monterey, Isle of Wight, Woodstock, Miami, Berkeley, Maui…), pero estos discos se lanzaron en fechas diversas tras su muerte. A pesar de esa corta discografía, a su alrededor existe todo un laberinto de lanzamientos póstumos (unos 12 aproximadamente), además de 11 recopilatorios y unos 20 tributos que confunden incluso al más experto. Eso sin contar los discos piratas.
A pesar de que su corta carrera mainstream (duró 4 años), Jimi Hendrix se convirtió en un icono de la guitarra eléctrica y en un revolucionario inigualable. Su influencia se extiende a lo largo del siglo XX y XXI. Su estilo y aportes marcaron la carrera de otros grandes guitarristas como Steve Vai, Ritchie Blackmore, Jef Beck, Joe Bonamassa, Jimi Page, Prince, Stevie Ray Vaughan, Frank Zappa, Slash, Satriani, Tom Morello, Ben Harper, Lenny Kravitz y un larguísimo etcétera. Por ello, no es extraño afirmar que todos los iconos de la música confluyen en el tremendo talento del guitarrista que devoró el mundo:
«Jimi Hendrix es el instrumentista más grande de la historia del rock. Expandió el rango y vocabulario de la guitarra eléctrica en áreas que ningún otro músico se había aventurado antes. Su inagotable empuje, habilidades técnicas y creatividad a la hora de usar efectos, transformaron el sonido del rock and roll» (Salón de la Fama del Rock and Roll).
«Yo me dirigía hacia el escenario, cuando Chas Chandler me dijo que un amigo suyo quería tocar con nosotros. Empezó a tocar Jimi y nos dejó boquiabiertos a todos. Pensé en lo afortunado que era por poder tocar con alguien con el estilo que amo, en carne y hueso. Esa noche es histórica en mi mente» (Eric Clapton).
«Cuando tocas la guitarra, puedes tocar o trascender. Jimi Hendrix me enseñó eso y más» (Neil Young).
«Hendrix creó la forma moderna de tocar, sin duda fue el primero. El resto es historia» (Yngwie Malmsteen).
Jimi Hendrix mostró al mundo que la música no tiene normas ni fronteras, que debe seguir un camino diferente, juguetear, experimentar, a fin de romper estereotipos e innovar. Parte de su inspiración venia de Elvis Presley, de Mozart y de Isaac Asimov, tres pilares que alimentaban las bases culturales de su música. Fue autodidacta, jamás necesito estudiar en una escuela, porque el talento lo llevaba dentro y sus dedos fluían libremente. Experimentó con sonidos inesperados y fue capaz de encender los escenarios y de hacer temblar al mismísimo Eric Clapton.
El verano pasado (2023) tuve la ocasión de visitar Londres con la intención de recorrer espacios musicales emblemáticos (The Electric Ballroom, The Dev, Abbey Road, Gaz’s Rockin’ Blues, The Ealing Club, Marquee, Chelsea House, muchos de ellos ya desaparecidos, cerrados o reconvertidos). Evidentemente, no pude resistirme de ver el 23 Brook Street, la acomodada área de Mayfair donde Jimi Hendrix vivió entre 1968 y 1969. Es la única dirección reconocida que el músico tuvo en su vida. En el mismo viaje también tuve el placer de pasear por delante del Hotel Samarkana (22 Lansdowne Crescent, en Notting Hill. London) donde la mañana del 18 de septiembre, su novia Monika Dannemann encontró a Jimi inconsciente en su apartamento. Hendrix fue llevado urgentemente al Hospital St Mary Abbots, en Marloes Road (Kensington, Londres), donde dejó de vivir. Solo imaginarlo se me eriza la piel.
El 1 de octubre de 1970, Hendrix fue enterrado en el cementerio de Greenwood en Renton, Washington. En 1992, su exnovia, Kathy Etchingham, pidió a las autoridades británicas reabrir la investigación sobre la muerte de Hendrix. Una investigación posterior realizada por Scotland Yard no resultó concluyente y en 1993 decidieron no continuar con la investigación y cerrar el caso. A fecha de hoy continúan las especulaciones y debates en torno a su muerte.
TOP MÁSTER
El control sobre el legado musical de Hendrix ha cambiado de manos en varias ocasiones, y las publicaciones legales complican la historia de su catálogo póstumo. Desafortunadamente, la mayoría de las publicaciones póstumas de Hendrix consisten en unas pocas canciones o interpretaciones nuevas y el resto canciones relanzadas disponibles en otros álbumes. Actualmente, ningún catálogo extenso está disponible y los coleccionistas a menudo compran docenas de álbumes con material redundante intentando obtener la obra completa de Hendrix. Dado que Jimi Hendrix murió muy pronto apenas tuvo tiempo de grabar discos de estudio, es por ello que esta vez en esta sección del Top 5 incluyo sus 3 mejores álbumes de estudio, un disco póstumo y un directo sublime. Vayamos al lio…
Posición número 5: «Valleys of Neptune» (2010, disco póstumo)
Temas estrella: Stone Free, Bleeding Heart, Hear My Train A Comin’, Mr. Bad Luck, Lover Man, Fire, Red House
Se trata de un disco de estudio póstumo. La mayoría de los temas fueron grabados a principios de 1969, mientras Hendrix estaba experimentando con las canciones de su cuarto álbum, tras el exitoso lanzamiento de Electric Ladyland (1968). Cuenta con 12 grabaciones inéditas, incluyendo la canción homónima del álbum (una de las grabaciones de Hendrix más buscadas). Predomina la formación original de The Jimi Hendrix Experience: Jimi Hendrix (vocal y guitarrista), Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería).
Más que un álbum completo y orgánico, se trata de una recopilación de composiciones y apuntes experimentales perfectos para los estudiosos y coleccionistas del sonido Hendrix. De ahí su tremendo valor. Lamentablemente estas filigranas e ideas nunca llegaron a concretarse como álbum final debido a la muerte prematura de Hendrix. Por todo eso, merece estar en el Top 5. La portada del álbum es una mezcla de una pintura que el propio Jimi sobre sí mismo en 1957 partiendo de una fotografía que le hizo Linda McCartney.
El crítico Bosso Joe escribió: «Hendrix era una de esas personas que acariciaba las cuerdas de su guitarra con el mismo estilo con el que Picasso manejaba un pincel, e incluso cuando su ataque era intenso y brutal, tenía una manera de hacer que cada nota pareciera una improvisación inspirada. En sus manos, una guitarra era un instrumento de cambio que cambiaba de forma, y en Valleys Of Neptune lo demuestra de principio a fin. Sin duda es uno de los mejores albúmenes de 2010.».
Por su parte, Ludovic Hunter-Tilney, de Financial Times, le adjudicó cuatro estrellas de una calificación máxima de cinco describiéndolo como «un corte por encima de los muchos trabajos póstumos lanzados. Se trata de una colección sorprendentemente sustancial de curiosidades y elementos básicos obtenidos de algunas actuaciones en vivo de Hendrix y de nuevas pistas aun no realizadas».
Posición número 4: «The Jimi Hendrix Experience Electric Ladyland» (1968)
Temas estrella: Crosstown Traffic, Voodoo Child, Come On (Let the Good Times Roll), Gypsy Eyes, Rainy Day, Dream Away, Still Dreaming, Still Raining, House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return)
Lamentablemente fue el último álbum de estudio de Jimi Hendrix. Está considerado como uno de los mejores trabajos de Hendrix y uno de los mejores álbumes de todos los tiempos, apareciendo en varias listas de mejores álbumes, incluida la lista de los 100 mejores álbumes de Q de 2003 y varias ediciones de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone , en la que ocupó el puesto 53 en 2020. Se trata de un regreso a las raíces psicodélicas que ya desarrolló en su álbum debut Are You Experienced. Sin lugar a dudas, es una muestra representativa del amplio espectro del talento musical de Hendrix. En él se incluyen varios géneros y estilos de música. Fue, además, el mayor éxito comercial de la banda y su único álbum número uno.
Posición número 3: «Band of Gypsys» (1970)
Temas estrella: todos
Es un álbum en directo (Fillmore East, 1970). Lo incluyo en esta posición de privilegiados porque es una auténtica joya y porque apenas hay discos de estudio de Hendrix para ser elegidos entre los más memorables. Es un proyecto de Jimi Hendrix (junto a Billy Cox y Buddy Miles), posterior a la banda The Jimi Hendrix Experience. Fue lanzado antes de su muerte en 1970, y por tanto fue el último álbum que autorizó en persona, razones de más para estar en el Top 5.
Las canciones seleccionadas para el disco fue material completamente nuevo. El hecho de que dichas canciones nunca habían sido publicadas como grabaciones de estudio aumenta el valor de este álbum.
Son 6 pistas de lujo. El primer tema, Who Knows, es una pasada, su entrada es sublime y el posterior desarrollo te engulle hacia un laberinto de sonido único. Específicamente, la versión de Machine Gun está considerada como una de las mejores interpretaciones en vivo de la historia del rock. Son 12 minutos ininterrumpidos, donde la muestra de un talento es sublime. Complejos solos de guitarra y de percusión confluyen en un evento musical de interacción continua, simulando los sonidos y la adrenalina de un campo de batalla: helicópteros, bombas, explosiones y, especialmente, ametralladoras (machine guns). A pesar de esto Hendrix mantiene en todo momento la línea melódica de la canción, así como la calidad del sonido. Afortunadamente, este hito en la historia blues fue grabado.
Band of Gypsys alcanzó el puesto número 5 en Estados Unidos y el número 6 en el Reino Unido, transformándose en uno de sus álbumes más vendidos. Es también el nombre de un documental que contiene los cuatro recitales en el Fillmore East.
Posición número 2: «The Jimi Hendrix Experience Axis: Bold As Love» (1967)
Temas estrella: Todos
Axis: Bold As Love es una metáfora del eje de la Tierra. El eje hace referencia al axis mundi, término del latín que designa el eje o línea que conecta el cielo y la tierra. Es un símbolo espiritual universal, como la montaña, el árbol o la columna. Hendrix se identificó con este eje, como el punto donde las cosas se encuentran profundamente como el color, el olor, la emoción, el conocimiento intelectual y espiritual, el asombro y el amor. Todos ellos se cruzan en ese eje.
El disco llegó al quinto y tercer puesto en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos respectivamente. La revista Rolling Stone posicionó el álbum en el puesto 82 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, describiéndolo «como el refinamiento del ruido blanco en psicodelia y como el mejor álbum de vudú que cualquier grupo de rock haya producido hasta la fecha». Por su parte el magazine Q escribió que el álbum «deslumbra ya que la experiencia crea un género probablemente de corta duración porque nadie más podría tocarlo». El álbum también está incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir.
Posición número 1: «Are you Experienced» (1967)
Temas estrella: todos
El disco fue un éxito comercial. La crítica lo definió como uno de los más exitosos discos debut de la historia del rock, basándose en la creadora forma de componer y tocar la guitarra eléctrica de Jimi Hendrix. Supuso el comienzo de una nueva dirección del rock psicodélico y del hard rock.
Permaneció 33 semanas en las listas de ventas de UK, mientras que en Estados Unidos llegó al puesto 5 de la lista Billboard 200, donde permaneció 106 semanas, 27 de ellas entre el Top 40. También permaneció 70 semanas en la lista Billboard R&B donde llegó al puesto número 10.
Rolling Stone posicionó el disco en el número 15 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos y cuatro de sus canciones figuran entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos: Purple Haze, Foxy Lady, Hey Joe y The Wind Cries Mary.
Ese mismo año, el disco recibió el reconocimiento de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por su gran significado cultural y se añadió al National Recording Registry. El escritor e historiador Rueben Jackson de la Smithsonian Institution escribió: «Sigue siendo un punto de referencia, ya que transmite la tradición musical del rock, R&B y blues … Alteró la sintaxis de la música … comparable a la novela de James Joyce Ulysses».
MENCIONES ESPECIALES: LOS 5 MEJORES DIRECTOS DE JIMI HENDRIX
Una de las grandes cualidades de Jimi era que era igual de bueno en sus grabaciones que en sus actuaciones en directo, en estos ultimo incluso más, ya que solía improvisar y hacer locuras creativas. Por eso, es imprescindible que escuches sus shows en vivo más famosos. Y si puedes, los veas.
Live at Woodstook
Live at Monterey
Atlanta Pop Festival
Live At The Isle Of Wight
Miami Pop Festival
LAS DOS MEJORES PELÍCULAS SOBRE JIMI HENDRIX
Jimi Hendrix «Hear My Train A Comin’»
2 nominaciones para los premios Emmy
JIMI HENDRIX – ELECTRIC CHURCH
Documental sobre el concierto de Jimi Hendrix del 4 de julio de 1970 frente a 300.000 fans
Disponible completa en Apple TV+
OTROS DOCUMENTALES
JIMI HENDRIX – BIOGRAPHY
JIMI HENDRIX STORY
JIMI HENDRIX – DOCUMENTARY, THE SOUTH BANK SHOW
EL DÍA EN QUE JIMI HENDRIX CONOCIÓ A ERIC CLAPTON…
JIMI HENDRIX | THE LAST 24 HOURS
ALGUNOS VIDEOCLIPS DE HENDRIX
BAJANDO EL TELÓN DEL ASTRO…
Según Rolling Stone, Jimi Hendrix es el mejor guitarrista de la historia. Pero al margen de su destreza e imaginación con la guitarra, fue un icono de la contracultura de la segunda mitad de los 60 y uno de los máximos representantes de la paz y el amor que predicaban los hippies. Asimismo, el artista fue una de las figuras más icónicas de los jóvenes negros que luchaban contra la segregación racial en los Estados Unidos.
Además, Jimi Hendrix fue pionero en las posibilidades creativas de la guitarra eléctrica. por ejemplo, combinando el uso de tres efectos, el Fuzz Face y el Gypsy Fuzz, el Cry Baby Wah (le permitió moldear el tono de la guitarra, creando barridos expresivos y cambios dinámicos en el timbre) y el Octavio Fuzz. Todos ellos lo llevaron a crear una retroalimentación y distorsión altamente personales y controladas que ningún otro guitarrista era capaz. Este uso innovador, junto a su expresivo doblado de cuerdas y la aplicación del Uni-Vibe Chorus/Vibrato, dejaron una marca indeleble en la historia de la música.
Por ejemplo, en The Star-Spangled Banner interpretada en el concierto de Woodstock (1969), mostró su magistral control de la retroalimentación para evocar sonidos de bombas, cohetes y sirenas, convirtiéndose en un poderoso símbolo de protesta e innovación musical.
Sus grandes manos le permitían jugar cómodamente con las cuerdas, y tenía una capacidad casi natural de alternar su rol de guitarra solista y rítmica, lo que facilitaría unos desarrollos técnicos y sonoros personales y nunca antes vistos. Recordemos, además, que el guitarrista era zurdo y tocaba una guitarra para diestros boca abajo con las cuerdas ajustadas, y que su guitarra predilecta, la mítica Fender Stratocaster.
Su capacidad para doblar cuerdas con precisión, logrando variaciones microtonales, añadió calidad vocal a sus líneas de guitarra. Esta técnica le permitió transmitir matices sutiles y evocar emociones poderosas en sus actuaciones.
Hendrix combinó a la perfección la guitarra solista y rítmica, difuminando los límites entre las dos. Su enfoque rítmico incorporó elementos de percusión, acordes y ritmos sincopados, creando un sonido dinámico y con mucho cuerpo. Este enfoque innovador amplió las posibilidades de tocar la guitarra, inspirando a generaciones de músicos a explorar la interacción entre el ritmo y la solista.
Además, la influencia de Hendrix no se limita al ámbito del rock y el blues. Artistas de diversos géneros, incluido el funk, el jazz e incluso el hip-hop, han incorporado elementos de su estilo de interpretación y sonido en su propia música. Jimi Hendrix también impulsó avances en la tecnología de la guitarra, trabajando estrechamente con ingenieros para desarrollar equipos innovadores, como el pedal Octavia, que ampliaba las posibilidades sonoras del instrumento. Mostró al mundo que la guitarra podía ser un vehículo tanto para el virtuosismo técnico como para la narración emocional.
DEP