Atalaya Roja – Cabo de las Tormentas / Canción a Canción

Atalaya Roja vienen de Leganés (Madrid) y están presentando su segundo larga duración que, bajo el título de Cabo de las Tormentas, publicaron este lunes (y saltándose la tendencia habitual de editar las novedades los viernes). Estamos ante un trabajo tremendamente honesto a nivel lírico y musical, repleto de inquietudes, con canciones que hablan de multitud de estados de ánimo y altibajos emocionales, siempre bajo el paraguas del rock como sonido característico de la banda.

Cuando pensamos hace tiempo en esta sección, nuestra intención era que los artículos acompañaran a quien escucha un disco y gracias a ellos descubriera matices, interpretaciones y lecturas que le hicieran comprender mejor las canciones que componen un trabajo determinado. Es una especie de guía de escucha que, gracias a la implicación de los protagonistas, aporta claves diferentes de los temas y del álbum como obra conjunta. Algunos se explayan más, otros menos, pero todos nos aportan visiones muy enriquecedoras de sus creaciones. Ángel, el cantante de Atalaya Roja, pertenece al primer grupo. Su implicación y desarrollo de cada una de las piezas que componen este Cabo de las Tormentas ha sido fabulosa, extendiéndose todo lo que ha necesitado para hablarnos del nuevo LP de la banda con todo lujo de detalles.

Bienvenidos a CrazyMinds. Lo primero, presentaos y presentadnos vuestro nuevo disco.

Soy Ángel Miranda, cantante de la banda, y estoy encantado de destripar Cabo de las Tormentas para vuestros lectores. Primero debo contar que es nuestro segundo álbum y que nos ha llevado cuatro años desde la pandemia a crear un disco lleno de inquietudes emocionales y altibajos vitales. Como el de la vieja montaña rusa de la portada, que el mar arrastró hacia el océano y que esperamos sirva para hacer sentir a cualquier oyente que está fuera de su zona de confort, para acabar dejándose llevar por la corriente. La banda la formamos Arantxa Llano, Txema Amestoy, Santi Cubero y Ángel Miranda. Todos venimos de fuera de Madrid, excepto Arantxa, de sitios tan dispares como Vitoria, Mallorca o Tenerife.

¿Desde cuándo y cómo podemos escucharlo?

Ha sido editado el pasado lunes 15 de abril en todas las plataformas de streaming y gracias a Flor y Nata Records se puede comprar en la FNAC, El Corte Inglés. Pero también en nuestro bandcamp.

¿Dónde y con quién lo habéis grabado?

Ha sido grabado en Lasting Noise Records Studio en Madrid y teniendo como productor a Adrián Hidalgo. Este es un disco en el que hemos hecho por primera vez preproducción, permitiéndonos analizar las canciones más profundamente antes de empezar a grabarlas.

Si tuvierais que definir el disco, su significado, su sonido, sus influencias… ¿Cómo lo haríais?

Un hecho que marcó accidentalmente el sonido del disco fue que durante la pandemia uno de nuestros miembros, Jorge De Pablos, nos tuvo que dejar para volver a Tenerife, de donde soy yo también, por cierto. Y no pudo llevarse todas sus cosas, dejándome un teclado Roland Juno, que durante la pandemia, tras visionar un par de videos básicos en YouTube, me aventuré a apedrear.

Fue a Santi al que se le ocurrió el título de Cabo de las Tormentas. Un cabo es un accidente geográfico curioso porque entraña el peligro de atravesar distintas corrientes marinas y que antiguamente conllevaba superar un reto, y a veces ni siquiera saber que te encontrarás después.

Por otra parte, se nos ocurrió, después de escuchar el disco en su totalidad, la posibilidad de relacionarlo con un parque de atracciones porque en nuestro disco el cambio de estado de ánimo y los altibajos emocionales tienen justo esa relación, incluso siendo posible vincular cada canción a una atracción determinada. Entonces fue cuando vimos claro que la imagen de la montaña rusa que elegimos para la portada y el título de Santi podían estar unidos en una única imagen.

Además, a mí personalmente, que aparezca una montaña rusa desvencijada y arrastrada fuera de su espacio natural me resulta una metáfora preciosa y muy útil para expresar cómo me siento dentro de nuestro panorama musical actual, donde hay tantas cosas que no entiendo y que me hacen pensar que tal vez he llegado demasiado tarde al aventurarme después de cumplir los 40 añazos a montar una banda de rock.

En cuanto a influencias del disco y su sonido, hay dos hechos importantes en mi opinión que lo han marcado. Primero, cuando pensamos en alternativas para grabar nos planteamos la posibilidad de ir a dos estudios en los que actualmente una gran cantidad de grupos confían. Pero al final nos decantamos por volver a confiar en Adrián Hidalgo. Y es que precisamente, el que fuera un estudio fuera del circuito habitual del indie pop rock nacional nos daba una ventaja, tener un sonido único. O al menos algo que te diferencie de la gran mayoría.

Personalmente, no me gusta escuchar tantas bandas de aquí que, aunque suenan de maravilla, parece que muchas se copian entre ellas al grabar en los mismos dos o tres estudios. Además, la técnica de Adrián y las características de su estudio, dan un toque al sonido que me recuerda a producciones internacionales de calidad. Sabe crear tensión cuando un tema lo requiere y hace en general una lectura de los temas con la que conecto personalmente, además de que Adrián entendió perfectamente que el sonido debía ser diferente al del primer disco. Pero también es verdad que esta mayor singularidad tiene un claro inconveniente, que es que te arriesgas a quedarte fuera del «sonido de moda» que impera, con todo lo que ello conlleva.

Y el segundo hecho importante que ha influenciado el disco es el estilo de música que escuchamos. Yo aquí te puedo contar desde mi visión que artistas me han sugerido el rumbo que podíamos tomar. Y así te puedo nombrar artistas que he descubierto estos últimos años, como Mitski, Crippled Black Phoenix, Still Corners, The Zen Circus, Rey Pila, Eartheater, Vivii, Zeal & Ardor, The Joy Formidable, Anna B. Savage y un largo etcétera. También me gustaría resaltar la importante influencia del foro de música de Jenesaispop, que descubrí antes de la pandemia y que me ha permitido tener una visión muy abierta, y gracias al cual he conocido a muchos de estos artistas.

Luego, por supuesto, cada uno aplica a su instrumento su personalidad y visión de su música, y cualquier idea inicial pasa por el filtro de cada uno, surgiendo una idea renovada. Pero en esencia, creo que nuestro disco suena más al pop alternativo o el modern rock que viene de fuera que a lo que se hace dentro de nuestras fronteras, y eso era algo que buscábamos todos como un objetivo.

En resumen, Cabo de las Tormentas es nuestro disco perfecto para cruzar el cabo, encontrar el cambio hacia la madurez, aunque la corriente a veces no esté de tu lado.

Y antes de empezar a hablar de cada canción, me gustaría explicar el proceso creativo que hemos empleado. Así, en casi todas, era yo quien proponía una melodía grabada en móvil, a veces con estructura montada. Después, Santi montaba los acordes, armónicos, etc, la grabábamos juntos en su casa y ya teníamos una primera propuesta que trabajar en el local, donde se pulían muchas ideas. Así que somos una banda que aprovecha bien los ensayos, en cuanto a que llevamos trabajo hecho desde casa.

Sin embargo, hay dos canciones cuyo proceso creativo empezó con la guitarra de Santi y entonces era yo el que tenía que buscar una melodía que cuadrara y fuera atractiva. Creaba varias y me quedaba con la que estimaba la mejor. Eso sí, siempre pensando como público, nunca como músico. Es algo lógico cuando llevo más tiempo viendo la música desde el otro lado, y siempre será para mí, mi lado favorito. Pienso que los músicos acaban convirtiéndose en matemáticos. Es un proceso natural. La música es matemáticas. Pero creo que la creatividad, por lo menos para un cantante que crea melodías, debe mantener su lado más natural e indomado, para no perder la espontaneidad y la chispa que muchos pierden cuando se convierten en músicos.

Venga, compartid con nosotros alguna gran anécdota graciosa, surrealista o incluso perdida del periodo de grabación

Como dato anecdótico, casi todas las melodías han sido grabadas por mi parte cuando saco a mi perro Frodo, por ello animo a toda banda que apadrine un perro y maten dos pájaros de un tiro [risas], que muchas protectoras y albergues están muy necesitadas. También me he visto en la situación de que se me ha ocurrido una melodía en casa y he bajado al trastero a buscar papel higiénico como excusa para grabarla, o en la oficina y me cierro en el baño.

Ya volviendo a lo serio y ciezos que somos, la temática de nuestras letras reflexionan sobre inquietudes y la ambigüedad de la condición humana. La salud mental, la soledad, la autoestima, la ansiedad o la redención son algunas de las protagonistas de nuestras canciones. Pero siempre hay elementos comunes al universo de Atalaya Roja desde el primer disco, como son las referencias a la infancia, al pasado, la nostalgia, o el mar y el océano, como escenarios que están muchas veces presentes.

Todas las letras han sido escritas por mí y por Santi. Siete de ellas en las que yo escribía la mayor parte y dos al contrario.

¿Qué planes tenéis para presentarlo en directo? ¿Fechas y/o festivales que ya tengáis confirmados?

La primera fecha es el domingo 21 de abril en la sala Fun House de Madrid en horario vermut. Estamos trabajando para ir a varias ciudades fuera de Madrid y por ahora solo tenemos confirmado León el 30 de Noviembre. Pero iremos confirmando nuevas fechas próximamente. O eso esperamos, porque no es fácil y tampoco nos suena el teléfono [risas].

Nos gustaría que nos contaseis todo sobre cada una de las canciones del disco: el significado, la inspiración, si hay alguna historia detrás, lo que sentís al tocarla en directo.

1. Tu Risa Llora

Cuando en plena pandemia vi la película del Joker me vinieron a la cabeza muchas ideas que pensé que se merecían una canción. Y es que en nuestra sociedad actual, que se reclama tanto los derechos a tener acceso a una sanidad mental de calidad, unido a la idea de que cuando salía a la calle (gracias a que tengo perro: apadrina), era testigo de cómo la naturaleza se abría camino en un lugar tan urbano como Leganés o podías respirar aire puro. Fue un tiempo en que sentí mucha paz. Y reflexioné si tal vez para tener un mundo mejor, sería mejor tener un mundo peor, como reclamaba Joaquin Phoenix en la película. Por ello, al principio el título pensado para la canción fue Un Mundo Peor, pero evolucionó para centrarnos más en la idea de la locura.

En cuanto a la parte melódica y la estructura, en un principio había tomado como referencia una canción de Mitski, Texas Reznikoff. Algo que no conté antes es que me gusta crear melodías partiendo de otras que me encantan, sin que se parezcan, pero que cuando las cree transmitan el mismo estado de ánimo que ellas me trasladaron a mí.

En principio, como la canción de Mitski, iba a durar dos minutos, sin estribillo que se repitiera, y con un desenlace claro y directo en la parte final. Eso lo hace muy bien Mitski, creando canciones de dos minutos que escuchas una y otra vez porque nunca son repetitivas. Pero en el local de ensayo surgieron las ideas del minuto inicial y el minuto final que dejaron un tema idóneo para abrir el disco, usando elementos contemporáneos como graves trap en el principio y un sonido de teclado que ayudó a crear la tensión que requería.

2. Tu YO

Esta canción trata de un problema que nunca pasa de moda y cada vez tiene más presencia en nuestra sociedad, tal vez por el abuso del uso de las redes sociales, y que es la ausencia de la autoestima. Pero también es un mensaje de fuerza y esperanza, una flecha dirigida directamente al ego de todos aquell@s que en algún momento de sus vidas se han sentido diferentes, por sus ideas, condición física, orientación sexual… Lo que sea que les ha llevado a sentirse desplazados.

En cuanto a la composición, la idea surgió por primera vez de una melodía de teclado, sobre la cual fuimos montando el resto de las partes. Y en un momento en que me enfrasqué en retomar la escucha de bandas como Nine Inch Nails, VNV Nation, Apashe y mucho dark wave que me dio ideas para implementar detalles industriales, muchos desechados al final, pero otros como el yunque ayudaron a crear la atmósfera oscura que la rodea.

3. Playa Perro

Playa Perro surgió inspirada por una canción de una banda norteamericana llamada Slaughter Beach, Dog titulada Acolyte. Aunque mi idea inicial era hacer un tema con guitarra acústica en un perfil parecido a la de ellos, pronto me convencieron los chicos de que podía ser algo más, inculcando de lleno nuestro espíritu y cierta tensión que explota, recordando un poco en su desenlace a Creep. Me hace ilusión el hecho de pensar que es nuestro pequeño Creep [risas].

Lo curioso con esta canción es que, cuando conté de dónde venía la influencia para la melodía, y sin aún tener la letra, Arantxa sugirió que la tituláramos Playa Perro. Entonces fue cuando pensé, alrededor de ese título, de qué podría tratar. Lo primero que me vino a la cabeza fue la playa del pueblo de mi infancia, en el sur de Tenerife, donde los perros vagaban libremente en la plaza y la playa, y más concretamente en una playa más lejana, a donde llegas después de media hora de caminata, donde solía acudir cuando no sabía dónde ir y que convertí en la letra de la canción. Ese lugar al que acudes para olvidarlo todo, libre de ansiedad, nuestro Black Hole Sun, como cantó en los 90s Chris Cornell.

4. Mago

Y después de tres canciones desasosegantes, llegó la luz. Ahora me surgen dudas acerca de si Mago la deberíamos haber apeado del disco. La encuentro un poco fuera de lugar, por la luz que desprende. Pero Atalaya Roja somos así, somos una banda con muchas caras, y una de ellas es el pop más comercial que creo que hacemos en este tema.

Mago reflexiona sobre el tiempo y la necesidad de vivir el presente sin las ataduras que muchas veces nosotros mismos nos imponemos. Por ello, la componen un resumen de imágenes que me han hecho feliz en los últimos años de mi vida, para que no se olviden, y para que los recuerde también la persona con la que los he compartido.

En este caso, para las estrofas inventé una melodía basándome en, ni más ni menos, que el Uprising de Muse. ¡Toma ya! disparé alto [risas]. Y es que, como digo, luego no se parece en nada porque primero, la melodía mía tiene que ser completamente diferente y segundo, porque este dato no se lo cuento a Santi, Arantxa ni Txema.

5. La Duda

Esta canción la destripará Santi porque, excepto la segunda estrofa, el resto de la letra es suya.

La Duda nació de una melodía de Ángel a la que yo encajé en una rueda de acordes, y en esos inicios la tocábamos con un tempo mucho más lento. Luego, ya en el local es donde se fue acelerando y llegó a su realidad actual. Musicalmente tiene una armonía bastante pop, aunque debido a las guitarras y sintetizadores tiene un aire más duro y oscuro. Se alternan las estrofas álgidas, de melodía redonda y pegadiza, y unos estribillos que contrastan bajando a una oscura tensión, y la canción desemboca en un final vibrante donde se combinan luz y oscuridad.

La letra, empezada por mí y terminada por Ángel, trata de la dificultad del perdón. A los personajes de la canción, el resentimiento les impide dejar atrás ofensas personales y avanzar desembarazados de la carga hacia su propia felicidad. Los dos protagonistas se siguen buscando, a pesar de todo la llama que les unía pervive, pero la duda constante como una obsesión y la desconfianza sin remedio les impide salir del bucle, como un hámster en la rueda de su jaula, corriendo a ninguna parte.

6. Get Away! / 7. Even Flow

Aquí voy a analizar juntas a Get Away! y Even Flow porque ambas siguieron el mismo proceso creativo y están cantadas en inglés. Y es que, como ya comenté, en Atalaya Roja tenemos muchas caras y otra de ellas viene predeterminada porque me gusta cantar en inglés.

Cuando Santi me envió la guitarra de ambas, las ubiqué inmediatamente en la costa noroeste norteamericana y tal vez es un prejuicio mío por todo el rock, grunge y new metal que escuché en los 90s de allí, pero opino que el inglés es la lengua materna del rock. El pop lo puedo ver más fácilmente en cualquier idioma, ¿pero el rock? Sus dioses son anglosajones. Ojo, que es una generalidad mía y tengo bandas de rock en castellano entre mis favoritas, pero son muy pocas. Por ejemplo, aquí Qverno, son unos maestros. Y es que tampoco es fácil. Amigo, ¿a lo mejor es que soy un vago? [risas].

Get Away! es directamente un homenaje a los héroes caídos de Seattle y cómo les marcó su relación directamente con las drogas, la poca atención médica en materia de salud mental que recibieron que solucionaban todo con fármacos, o su incapacidad de gestionar el éxito. Aquí destaco en especial a Lane Staley, cuyo timbre de voz considero de los más bellos de la historia del rock.

Por otra parte Even Flow reflexiona sobre la soledad, pero como arma para el autoconocimiento, como punto de partida para aprender a quererte a ti mismo y aumentar tu autoestima.

Creo que estas dos canciones aportan heterogeneidad al disco. Me gustan los discos eclécticos en estilo y me fascina ver que cada vez impera más en el panorama musical internacional. Como por ejemplo, por citar un caso de artista mainstream, el de Olivia Rodrigo que tantos premios ha conseguido y que pasa del neogrunge al country en una canción.

8. El Viento

Aquí volvemos al esquema de creación de melodía en el que parto de otra que me fascine. Aquí utilicé The Last Exit de la banda de rock fronterizo Still Corners, ganadores en un concurso de canciones favoritas que hacemos en el foro de Jenesaispop.

El sentimiento de pertenencia al lugar donde creciste y te formaste como persona, o de extrañeza que sientes cuando vuelves y te das cuenta de que cada vez eres más un visitante que un local, o la redención de cuentas a ajustar para devolver parte de lo que su gente y el lugar te ofreció en tu niñez, son temas que trato en la canción. Con El Viento característico de mi pueblo como hilo conductor.

Como anécdota contaré que teníamos muchas dudas sobre cómo resolver la parte final de la canción, pero lo solucionó Adrián metiendo tijera y quitando 45 segundos de desarrollo instrumental que vimos al final que no aportaba a la canción más que alargarla en el tiempo. Esto es algo importante que ganas cuando tienes un buen productor.

9. Río San Juan

Santi nos explica aquí sus ideas en esta canción.

Río San Juan, la última canción del disco, es la canción de mayor duración, y posiblemente sea la que más se distingue de la tónica y perfil del resto. La consideramos una canción río, que transcurre desde su nacimiento mínimo hasta su final a lo grande. La canción nació con los acordes de guitarra, tanto de estrofa como estribillo, a los que posteriormente se le añadió la melodía de la voz. Ya en el local, dándole vueltas con la banda completa, fue donde, de una forma espontánea, le añadimos la extensa parte final; la canción nos pedía desembocar en otra parte distinta a por donde había transcurrido, suponiendo una ruptura.

Santi se ocupó de la letra de estrofas y estribillo, y Ángel de la parte final, notándose los diferentes registros. Trabajar la dinámica y arreglos del final, ubicar los metales y el resto de instrumentación, es lo que más tiempo nos llevó.

El tema de la canción es el magnetismo, la atracción física entre dos personas que hace que se busquen, más allá de las palabras; una tensión a través de los gestos y las miradas. Una historia sencilla y de tono intimista. Dicha relación se desarrolla en el entorno del Río San Juan, un paraje que se presenta natural, salvaje y puro, que interactúa con los protagonistas, aportando las mágicas resonancias que asociamos al río: Libertad, vida y viaje. La idea proviene de experiencias surgidas de viajes por Centroamérica, navegaciones por el cauce de ríos y la observación de la vida que se desarrolla a su alrededor.

En lo musical, destacamos los sintetizadores que enriquecen el sonido, creando nuevas atmósferas, sobre todo la línea de metales del final, que eleva la canción a su punto álgido. Pensamos que hemos conseguido una estrecha relación entre música y letra, que conjugan perfectamente para transmitir ese aire intimista y a la vez grandioso, como es el escenario de la canción.

Finalmente, un deseo. ¿Qué esperáis conseguir o que os traiga este nuevo disco? ¡Mucha suerte!

Pedimos lo que supongo que pedirá cualquier banda con escasos apoyos. Simplemente nos gustaría que Cabo de Las Tormentas nos abriera alguna puerta de cara a poder enseñarlo más en directo, y que podamos seguir confirmando que seguimos creciendo y mejorando como banda, sin olvidarnos del cambio y la evolución. Ahora, una vez cruzado el Cabo, decidiremos nuestro próximo destino, ¿frío o calor? ¿luz u oscuridad? ¿sur o norte? Muchas gracias por darnos esta oportunidad.

Escucha «Cabo de las Tormentas» de Atalaya Roja a continuación: