«Somos obreros musicales. La inspiración nos viene de los ruidos que escuchamos»
KRAFTWERK
Hablar de música electrónica es difícil, sobre todo cuando es un género prácticamente instrumental, sin textos que esgriman sus soportes. Es por ello, que para no hundirse en un espeso océano de demostrativos de medio pelo, debemos dejar que sea el propio sonido quien nos susurre sus contenidos, sus emociones y todo aquello que pulula por nuestra mente, generalmente aprisionada por los tópicos de una sociedad con múltiples referentes impuestos. La música, por tanto, es quien debe hablar, y en última instancia, hay que preguntar a sus creadores sobre lo que piensan y tratan de transmitir. Kraftwerk es un destacado referente del amplísimo universo de la electrónica moderna y, por tanto, una entidad creativa que tiene mucho que contar…
PENETRANDO EN EL NÚCLEO DE LA CENTRAL ENERGÉTICA
Kraftwerk es una palabra alemana que significa central de energía aunque también se asocia a un sentimiento social por los placeres y obligaciones que se derivan de la incorporación tecnológica en la vida doméstica. Al mismo tiempo, es la palabra idónea para definir la música que se genera a partir de amplificadores, sintetizadores, ruidos industriales y demás artilugios electrónicos que, hábilmente procesados y ensamblados, son capaces de crear y desarrollar armonías propias de un futuro lejano.
Sea como sea, Kraftwerk es como formación musical un máximo referente electrónico que emergió en la ciudad alemana de Düsseldorf en 1970. Sus fundadores, Ralf Hütter y Florian Schneider, ambos músicos de formación clásica, renunciaron la instrumentación tradicional con el fin de investigar nuevos sonidos, melodías y formas de interpretación a través de medios electrónicos e instrumentos especiales. A ellos dos se unieron los cerebros de Karl Bartos y Wolfgang Flür tejiendo una agrupación cuyo objetivo fue plasmar esa dimensionalidad industrial y tecnológica que acompaña siempre a la necesidad futurística de la Humanidad.
Lamentablemente, Florian Schneider abandonó Kraftwerk en 2008 a causa de las desavenencias con Ralf Hütter. Tras su marcha, la formación quedó enmarcada con Ralf Hütter, Henning Schmitz, Fritz Hilpert y Stefan Pfaffe; no obstante, por las filas de Kraftwerk han colaborado múltiples músicos. Florian Schneider murió de cáncer el 21 de abril de 2020, catorce días después de cumplir 73 años.
La discografía de Kraftwerk no es muy extensa, pero podemos afirmar que todos sus álbumes son geniales. Cada cual plantea diversos parajes sonoros y arquitecturas rítmicas. Siempre fue una agrupación vinculada a la investigación sonora. Por tanto, no es fácil elegir sus 5 mejores trabajos. Llegados a este clímax cabe resaltar que para la elección se han barajado diversos razonamientos, como los conceptos que estructuran los discos, su coherencia compositiva, la originalidad, la cadencia rítmica y melódica, la lírica, la instrumentación, así como otros tantos detalles que debemos tener en cuenta a la hora de crear un TOP 5. La elección dependerá de gustos personales, dependiendo si gustan más los discos más comerciales o aquellos más experimentales. Empezamos pues el final count…
5. TRANS EUROPE EXPRESS (1977)
«Trans-Europe Express es básicamente una sinfonía de ruidos de trenes entre Viena y París. Viajar es una gran parte de la filosofía de Kraftwerk. Las imágenes no son irónicas, es nuestra realidad, es la vida que estamos experimentando. Esa es nuestra identidad cultural como europeos, junto con el espíritu de la cultura europea»
(RALPH HUTTER)
Con este álbum Kraftwerk refinó su estilo electrónico melódico hacia un enfoque rítmico más secuenciado, con aportes minimalistas y voces manipuladas. Los temas incluyen celebraciones del servicio ferroviario europeo alemán y europeo junto a diversas reflexiones entre realidad y apariencia.
Kraftwerk creía que los críticos anglosajones tenían tendencia a los asociarlos con la Alemania nazi. Temas como Autobahn eran erróneamente vinculados con los nazis fueron quienes construyeron las carreteras de alta velocidad en los años 1930 y 1940 a fin de dar salida rápida a sus huestes. Al mismo tiempo, el grupo estaba ansioso por apartarse de esa legado alemán y proyectarse hacia un nuevo sentido de identidad europea. Trans-Europe Express simboliza esa transición.
Trans-Europe Express fue recibido con entusiasmo. Obtuvo las mejores críticas en todas las publicaciones musicales importantes. Esas opiniones no han cambiado con el paso de los años; de hecho, el álbum se ha vuelto todavía más apreciado y querido no solo por sus fans sino por los amantes de la música en general, ya que con el paso del tiempo se manifiesta lo adelantados que estaban los chicos de Kraftwerk. Desde su publicación, el álbum se relanzó y reeditó en numerosos formatos, y a fecha actual sigue recibiendo valoraciones positivas por parte de críticos musicales considerándolo uno de los principales y más influyentes álbumes de su década.
Para este álbum se empleó por primera vez el Synthanorma Sequenzer, un secuenciador analógico de 32 pasos y 16 canales fabricado específicamente para Kraftwerk por la empresa Matten & Wiechers. Este artilugio permitió a la banda confeccionar sucesiones más complicadas, entre las que destacan canciones melodías como Europe Endless, Franz Schubert y Endless Endless. La foto de la portada se tomó en París y consistía en un fotomontaje de los cuatro componentes rígidos como muñecos de escaparate.
4. TOUR DE FRANCE (2003)
«Sólo puedes ser parte de una transferencia cultural si no vistes una máscara. Tienes que mostrar tu propio rostro, pero primero debes encontrar ese rostro. Para los alemanes de la postguerra, encontrar su propio rostro fue una delicada tarea, porque nuestra identidad alemana estaba realmente destruida y llena de mierda. Poco a poco, Kraftwerk se dedicó a la reconstrucción de un nuevo tipo de germanidad musical, tomando partes del romanticismo del siglo XIX, de los experimentos electroacústicos de Karlheinz Stockhausen, de la música folk, de los autos Volkswagen y del idioma alemán»
KARL BARTOS
Tour de France es un álbum que representó un transformación en la metodología tecnológica respecto a sus dos álbumes anteriores, The Man-Machine y Computer World. Tiene una embate potente de voces procesadas por vocoders (codificadores de voz), además de contener las grabaciones de las propias respiraciones de los ciclistas, del ruido de las cadenas y de los cambios de engranajes. El disco se convirtió en una manifiesta electro exegesis de secuencias cortas y dinámicas preciadas como modelos precursores de lo que hoy se conoce como techno.
El álbum combina 12 temas magníficos que representan las emociones de los ciclistas en una carrera de élite. El tema que da título al álbum se estrenó en 1983 como parte de la banda sonora de una carrera ciclista homónima. Con el paso del tiempo el tema se ha ido convirtiendo en una de las composiciones más populares de la trayectoria del grupo.
La portada muestra varias ciclistas en competición sobre la bandera nacional francesa. El diseño es una adaptación de una imagen de un sello de postal húngara de 1953 que conmemoraba la inauguración del Estadio del Pueblo de Budapest. (Népstadion).
3. RADIOACTIVITY (1975)
«La música se ha convertido en una clase de combustible para otros modelos de negocio. Ahora pugna con millones de canciones. Sólo se trata de números y pagas mensualmente por esto. ¿Es eso música? No. Creo que es un gran error. De cualquier forma, es el futuro»
KARL BARTOS
Radioactivity es un álbum conceptual, alejado de la vacía comercialidad. Se trata de un trabajo organizado alrededor de la desintegración radiactiva y de la comunicación por radio. Es el primero de sus trabajos compuesto e interpretado con instrumentos electrónicos. La pieza de obertura Geiger Counter se compuso utilizando los ritmos de un Contador Geiger basados en la música concreta. En el álbum se incluye también el uso de teclados Vako Orchestron a fin de proporcionar coros vocales, piano electrónico Farfisade Hütter, efectos de cámara eco y vocoders.
Como curiosidades cabe decir que durante las fotos promocionales del disco, el grupo estaba vestido con trajes protectores blancos y botas anti radiación. El cineasta Rainer Werner Fassbinder quedó tan impresionado con el disco que uso partes para las películas Ruleta China y Berlin Alexanderplatz. El álbum alcanzó el puesto número 59 en las listas canadienses en febrero de 1976.
La revista Uncut escribió que «el álbum comienza como un latido en el vacío, acelerándose hasta el pulso que formará la columna vertebral de un tributo inquietante hasta alcanza los átomos en desintegración que persisten en la atmósfera» Por su parte, AllMusic definió el álbum como «un disco fundamental en el desarrollo continuo del grupo que marcó el regreso a un territorio más afilado, utilizando ampliamente la estática, los osciladores e incluso momentos de silencio al estilo de John Cage».
2. COMPUTER WORLD (1981)
«Es una pena que unos políticos estúpidos intenten separar Europa de nuevo»
KRAFTWERK
Es un disco muy elaborado. Probablemente mi favorito junto The Man-Machine. Cada nota parece haber sido diseñada a la perfección, como un disco de artesanía. Conceptualmente es inflexión acerca la subordinación a los ordenadores, un aviso sobre los riesgos de la informática. Su contenido destila un mensaje receloso sobre la pérdida del individualismo en un mundo carente de individuos libres. Somos parte de una gigantesca maquinaria movida por los computadoras. Las máquinas, la policía y las instituciones financieras representan el control de la sociedad.
La materia central del álbum lo constituye la informática y los ordenadores, alzados casi a niveles humanos. Posee letras pulsantes, breves pero iterativas ya que el mensaje busca llegar a todos sus oyentes. Por ejemplo, en Numbers la letra es desnuda. Sólo números. Se basa en la enumeración del 1 y al 8 en varios idiomas, a fin de otorgar una pluralidad lingüística que abarca desde el alemán al inglés hasta el francés, el italiano, el castellano y el japonés.
Por otro lado, Computer Love está basado en las relaciones amorosas a través de computadoras. La portada del disco muestra un terminal informático de estilo Hazeltine 15001. En su pantalla se advierten las cabezas digitalizadas de los cuatro componentes de Kraftwerk. El diseño de la cubierta interior fue creada por Emil Schult y fotografiada por Günter Fröhling. Muestra cuatro maniquíes de apariencia robótica que representan a los miembros de la formación. Todo el album es una joya.
THE MAN-MACHINE (1978)
«Amamos nuestras máquinas. Tenemos una relación erótica con ellas. Las tocamos y las máquinas nos tocan a nosotros. Realmente ese amor, intercambio y amistad con las máquinas es lo que nos hace construir nuestra música»
FLORIAN SCHNEIDER
Se trata de un disco imprescindible para cualquier aficionado a la música electrónica. Fue su trabajo de mayor éxito y relevancia. Gracias a él, Kraftwerk terminó de postularse como una gran banda a nivel internacional, abriendo los caminos definitivos del techno pop. Su vigencia atemporal seduce de principio a fin, donde destacan la elegancia de las secuencias electrónicas, los beats semi acelerados y las voces robotizadas mediante sintetizadores de habla o vocoders.
La carátula del álbum fue realizada por el estudio de diseño gráfico Klefisch, inspirándose en el trabajo del artista El Lisitski, una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo a través de numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética.
The Man-Machine fue un éxito gigantesco que incluye algunas de las melodías más sublimes de la década. El disco es un progresivo flujo de endorfinas, cuya extravagante fauna emocional surge de diversas planchas de circuitos electrónicos y maquinarias tecnológicas. El disco destila hábilmente una mezcla donde el ser humano se combina con la máquina inanimada hacia un viaje electro sinfónico de repeticiones perfectas.
El disco contiene, además, dos de los éxitos más emblemáticos y definitorios de Kraftwerk: The Robots, que se convirtió en la pieza icónica de los androides, y The Model, que enhebra la frivolidad de la belleza y del glamour de la moda. The Man-Machine llegó al Top 20 en Alemania y Francia. Más tarde trepó hasta la posición número 9 en Inglaterra, y alcanzó el estatus de disco de oro por las más de cien mil copias vendidas.
MENCIONES ESPECIALES
ELECTRIC CAFÉ (1986)
«Nuestro estudio estaba en medio de una refinería petrolera. Cuando salíamos de ahí, sólo podíamos escuchar el sonido de esas grandes llamas y todo tipo de ruidos industriales»
KRAFTWERK
Fue el primer disco de Kraftwerk completamente digitalizado. El álbum contiene letras tanto en alemán, como en inglés, francés y varias secciones en español. La portada refleja cuatro cabezas cortadas electrónicamente flotando en un extraño vacío negro. Se trata de un disco bastante experimental, que marca un final de trayecto.
El estilo musical es pop/rock electrónico desnudo y reiterado, a base de ritmos percusivos, sintetizadores simples y voces procesadas. Todos las temas son notables, de excelsa eficacia, aunque para algunos sea el álbum más polémico y eclipsado de su discografía. Fue grabado con un sampler Emu Emulator II y varios procesadores de efectos digitales, y editado con precisión geométrica.
Muchas de las pistas usan sonidos de otras canciones, hecho que aumenta la sensación sinfónica. Se usas más frases habladas, repetidas de manera percusiva, por primera vez. La cara A consta de tres canciones enlazadas. La cara B vuelve al modo pop habitual de tres canciones espaciadas. Las letras son un compendio de pensamientos e impresiones acerca de la vida europea a mediados de los 80 (Estás tan cerca, pero lejos) y del espíritu de la época (la imagen sintética, la forma estética, la era política, la era electrónica).
AUTOBAHN (1974)
«Kraftwerk no es una banda, es un concepto, un vehículo para nuestras ideas. Lo llamamos el Hombre-Máquina. Las máquinas tienen alma, y eso ha sido siempre parte de nuestra música»
(KRAFTWERK)
Es el álbum que marcó el arranque de Kraftwerk y la diferencia en la escena musical. El sonido motorik del krautrock es evidente, estilo que iri.an evolucionando hacia un sonido mucho más tecnológico y variativo. La idea de Autobahn era proporcionar un panorama musical que describiera una autopista llena de ese frenesí mecánico que refleja un viaje en automóvil por la carretera. Recordemos que para Kraftwerk la música siempre ha sido es un documento que plasma los contextos y sacudidas usuales que suceden en nuestro entorno contemporáneo o que puede suceder en un entorno futuro no lejano del presente.
El uso de sintetizadores para recordar la impresión de viajar por una autopista es magistral: el bullicio de la carretera; el efecto Doppler de los vehículos resonando en la otra dirección; el ritmo palpitante de las torres de alta tensión, los puentes y las farolas que franquean; el sonido de los limpiaparabrisas; el sonido del agua sobre el asfalto; las bocinas a todo volumen y la pura monotonía del viaje golpeando tu cerebro, representa una amalgama de emociones que fusionan una aventura muy especial. Sin duda, se trata de un álbum clásico, especial, pero no debemos olvidar que Kraftwerk haría música mucho más exitosa en sus álbumes posteriores.
3-D THE CATALOGUE
«Las máquinas y nosotros somos como hermanos. No son nuestras esclavas. Trabajamos juntos, ayudándonos mutuamente a crear. Las personas temen perder humanidad ante la tecnología. No tiene sentido. Un ser humano en contacto con una máquina, se vuelve más humano».
(RALPH HÜTTER)
Se trata del revolucionario concierto en 3D de Kraftwerk, que cobra vida de forma emocionante, desarrollado con imágenes en 3D de alta definición, sonido envolvente Dolby Atmos. Todos los fans de pueden experimentar una obra de arte total en la comodidad de su propia casa. 3-D The Catalogue incluye nuevas grabaciones de los 8 álbumes clásicos de Kraftwerk interpretados y filmados en varios lugares del mundo entre 2012 y 2016 como el MoMA de Nueva York, el Tate Modern Turbine Hall de Londres, el Akasaka Blitz de Tokio y la Ópera de Sídney. Todos los temas están mezclados en el vanguardista estudio de la banda, Kling Klang Studio, en Düsseldorf.
Se puede decir que 3-D The Catalogue es una originaria, donde las interpretaciones son perfectas y la dinámica es dramática. El sonido es exquisito. Hay profundidad, progresión, maestría y pensamiento. Ya sea en formato corto o en formato completo, se trata de un trabajo excepcional de un grupo excepcional. Es un disco de cinco estrellas; 3-D The Catalogue es un entretenimiento tremendamente atractivo.
MINIMUN MAXIMUN (2005)
«La música electrónica ha invadido la vida cotidiana. Ahora hay mucha música funcional, como en las tiendas, en los aviones. Hoy en día se ha convertido en una especie de Valium»
(RALPH HÜTTER)
Con algo más de 2 horas de duración, este especial fue publicado como CD doble (en Europa incluso se editó en formato LP, conteniendo 4 discos de vinilo). Consta de actuaciones en diversas ciudades, como Varsovia. Moscú, Berlín, Londres, Budapest, Tallin, Riga, Liubliana, Tokio y San Francisco.
El álbum se editó en dos versiones: la internacional en inglés y la alemana, retomando la metodología que Kraftwerk adoptó en los años 70. También se publicó en formato DVD, utilizando sonido DTS 5.1, y en una edición especial box set denominada Notebook, la cual contiene tanto los CD como el DVD, más un libro conmemorativo con fotografías de la banda en directo, la caja de esta edición, disponible en inglés y alemán, está diseñada simulando un ordenador portátil.
KRAFTWERK REMIXES (2020)
«La música de Kraftwerk sigue perfectamente viva. Es eminentemente visual. Siempre hemos igualado lírica, imagen y tecnología»
(RALPH HÜTTER)
Se trata de una colección de remezclas sobre algunos de sus temas míticos. El álbum, Kraftwerk Remixes, incluye 19 temas repartidos en 3 bellos LP. Productores como Étienne de Crécy, DJ Rolando, el mismo François K, Hot Chip, Orbital, William Orbit y Underground Resistance, suman sus colaboraciones destacadas a esta acción musical histórica. Entre los temas musicales figuran Aéro Dynamik, Expo 2000, Home Computer, La Forme, Radioactivity, Robotronik y Tour De France. Al parecer, la coyuntura ha dado para que los cuatro robots introduzcan novedades en algunas de sus producciones, un hecho que por sí solo, añade un valor tremendo a Kraftwerk Remixes.
ANEXO: ALGUNOS VIDEOS INMORTALES DE KRAFTWERK
THE END
«Todo tiene un fin y ese final es el principio de algo nuevo»
La revolucionaria visión musical de Kraftwerk cambió la música pop para siempre. Ellos fueron capaces de crear sonidos novedosos gracias al uso creativo de los sintetizadores y la percusión electrónica de fabricación propia. Su sonido cosechó un enorme bastión de partidarios del synth-pop, y puso en permitió la evolución de otros géneros, como el hip-hop, el techno y el trance.
Kraftwerk siempre fue consciente de los aspectos más oscuros y siniestros del mundo industrial y de los beneficios y riesgos de alta tecnología; su trabajo estaba lleno de ambigüedad, subversión y advertencias. Para ello exploró los sistemas de transportes (autos y trenes) como un himno a las fronteras abiertas de Europa y a la glorificación de las infinitas posibilidades de viajar. Indagó y parodió la Guerra Fría, el uranio, la energía nuclear y la radiactividad derivada de la misma, haciendo criticas referencias a desastres nucleares como Hiroshima, Chernóbil, Sellafield y Harrisburg. Pero también describió la tecnología de la radio, la robótica, el control mental a través del Big Data, los espías y los gobiernos, la sexualización, la telefonía, la informática y la computarización, la cibernética, etc., ofreciendo una global exploración de todas las áreas del progreso científico hasta la actualidad.
Como decía Florian Schneider: «La máquina ayuda al hombre, y el hombre admira a la máquina. Esta es la extensión de nuestro cerebro. La tecnología puede ayudar a la humanidad a trascender sus limitaciones, de la misma manera que puede esclavizarla y destruirla». Puede decirse que la unión del arte y la tecnología fue para Kraftwerk el principio de su influencia y legado. Desde The Beatles, ninguna formación había logrado la necesidad de adoptar nuevos enfoques musicales. Si no hubiera sido por ellos y sus ritmos computarizados, es poco probable que otros artistas de vanguardia posteriores hubieran abrazado las viabilidades sonoras de la música electrónica. Como bien resume Ralph Hütter en Cualia:
«Nuestra música es minimalista. Tenemos pocos textos, las letras son solo palabras clave para presentar ciertas escenas, como en el cine o en el teatro. Nuestra música se compone de pocos tonos, los justos. De ahí el nombre de Kling Klang Studio. Es nuestro concepto. Con las nuevas técnicas, empieza una nueva fase para nosotros, en la que no solo es posible la creación sonora, sino también una debida representación musical. Tenemos imágenes de video, y hemos encargado infografías para poder presentarlas en nuestros videoclips y directos. Viene a ser algo así como un cine multidimensional y multifuncional. En el Kling Klang Studio hay una mezcla de instrumentos propios, hechos por nosotros mismos, a partir de componentes fabricados por nosotros, y de otros encargados específicamente. También utilizamos componentes disponibles en el mercado. Lo nuestro es una mezcla de aparatos estándar y de máquinas especiales propias»
